Crítica ¨Inside Out¨

July 4, 2017 | Autor: Laura Gayarre Acacio | Categoria: Cinema, Psicología
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  Para que una historia case con comodidad en las liturgias narrativas digamos occidentales, es  importante que se produzca un desequilibrio y una acción resultante que as vez active  mecanismos en la acción para la restitución del mismo. Este desequilibrio en “Inside Out” se da  cuando la familia de Riley, unos middle easterners acomodados, se mudan de Minnesota a San  Francisco; el desencadenamiento de un movimiento primario que irá poco a poco  desestabilizando a Riley.  En este sentido, “Inside out” presenta una recurrente y efectiva argucia narrativa caracterizada  porque los protagonistas de la historia ven roto o perturbado el sistema en que se desarrollan,  siendo expelidos de éste y ello (les) da alas para recorrer el multiverso de dicho sistema en  donde estos personajes son intrusos. Ejemplos de ello, pues no es la primera vez que  observamos esta fenomenología en la obra Pixar y ejemplos de esta tónica son “Monsters Inc”,  “Toy Story 1,2 y 3”; en diferente medida “Finding Nemo” y (sin ser Pixar pero por ser Disney)  “Wreck it Ralph!”.   Este delicado (des)equilibrio es soportado por unas tensiones no tan equilibradas entre los  personajes, los cuales verán ser los causantes de dicha discronía en el sistema. Esta intrusión  exhorta a la acción Pixeriana a un slapstick speédico que es la causa y consecuencia de la  animación; una excusa para el encuentro con los habitantes de los diferentes subsistemas,  para la diversión, el despliegue groovy de la película y un humor que en este caso si no  específicamente para adultos, muy en sintonía con un humor que no tan cómodamente un  niño/a puede aprehender.   El elemento del intruso en el nuevo universo no presenta nada muy innovador en términos  discursivos, si bien la inconmensurable imaginación del equipo Pixar al alimón con un  inmaculado guión en donde nada se filtra por inconsistencia, da como resultado la obra 

maestra (resulta sonrojante dedicar el adjetivo “Obra maestra” a cada una de las obras Pixar,  pero es inevitable) que se puede disfrutar en “Inside Out”.   La protagonista humana de la historia es el sujeto pasivo en la metahistoria que se desarrolla  dentro de su cabeza, donde los diferentes caracteres que dan vida a  sus rasgos emocionales  manejan su desenvolvimiento en la realidad. La realidad no es algo a lo que podamos,  entonces, aplicar nuestra voluntad. Una lectura determinista podría inferir que somos el  resultado inevitable de aquello de lo que estamos hechos; sustancia, materia; física y química,  que en el caso de “Inside Out” está representado por los arquetípicos personajes que en sí  mismos hiperbolizan la emoción de la que se encargan: Alegría, Pena, Miedo, Asco e Ira y su  mayor o menor influencia definen lo que va a sentir o mostrar Riley; fantasmas en la máquina  cuyo retrato se desfigura, como un cristal al que le cae agua, para convertirse paulatinamente  en el de ella misma donde éstos se suprimen y anulan. Riley a su vez lo padece y así lo  muestra. Este juego de espejos da lugar para la interpretación de un discurso conflictivo en que  se nos dice que somos el resultado paciente e involuntario de las acciones de estos medios  que operan en nosotros, pero también apela a la no supresión de unas emociones por otras en  la medida en que podamos ser conscientes u operantes en ellas. En este sentido, Alegría es la  perfecta representación de esa persona que natural o artificialmente busca sólo la felicidad y la  alegría, suprimiendo en ella y en este caso en el objeto operante toda emoción que no sea el  júbilo porque sí; una bully del buenrollismo que oprime con especial dureza a Pena, la cual,  como un perfecto arquetipo viviente de la emoción que representa, no siendo un agente ajeno a  la pena, no siendo una mera “maquinista” sino encuadrando el sentimiento de la tristeza como  fórmula para la vida;  sufre y sufre su inseguridad y solo sabe que lo que hace, tiene que  hacerlo como instinto primario y vital, como la función a la que da vida. El equilibrio entonces no  es la aliteración de la emoción más resonante para una sociedad obsesionada con el 

inspirational porn, ​ los​  TED TALK ​ y el positivismo ​ per se;​  el equilibrio es la participación  conjunta de aquello que nos hace humanos y la capacidad de reconocer eso en los demás sin  censurarlo. Porque por mucho que la pena; la tristeza ajenas, sean precisamente los más  incómodos de los sentimientos cuando se trata de ayudar o impulsar a alguien (el asco y la ira  ajenas justifican más fácilmente un rechazo por parte de la persona que trata de ayudar)  precisamente por eso ha de ser elevado como un efectivo mecanismo para pedir ayuda, para  reconciliar la inobservancia o la falta de atención de una sociedad abúlica con el individuo  necesitado, porque nos sitúa en un filo en el cual nos encontramos con la verdadera persona  que somos: esa que tolera la tristeza propia y ajena y trata de aliviarla, o esa que con una  sonrisa dentífrica trata de cubrir o maquillar los sentimientos más incómodos por supresión de  los mismos.  Es en este alegato donde la película magistralmente se recompone en sus mil piezas sin tacha,  porque Pena es irreemplazable, necesaria, inevitable y vital para la acción de la historia y que  como metáfora vital funciona como un reloj suizo: la resonancia multidisciplinar permeable  entre sus componentes, la transposición del elemento figurativo en una elegante figura artística  que de hecho conlleva una lectura para la vida.   Ese es el ​ ahá moment​ .   Es ahí cuando te das cuenta que estás ante una obra de ARTE y no solo ante un mero  entretenimiento visual.       

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