CORRESPONDENCIA FOTOGRÁFICA Contemporánea

! ! ! CORRESPONDENCIA FOTOGRÁFICA Contemporánea

! ! ! ! ! ! ! ! ! ! ! ! ! ! ! ! !

! ! Marina Morris Uruchurtu Maestría en Historia de Arte Moderno y Contemporáneo Materias: Arte Contemporáneo y Teoría del Arte II

! ! !

2do semestre / 20014

!2

INDICE

! Sinopsis…………………………………………………………..….………………… 3

!

Introducción……………………………………………………………………….…… 3

!

Capítulo I:

Usos y desusos de la fotografía contemporánea ………………. 4

Capitulo II: Autores del arte contemporáneo en imágenes: Expresionismo Abstracto // Jackson Pollock ……………………….. 4 Informalismo // Jean Dubuffet ..………………………………………. 5 Otras poéticas // Francis Bacon, Alberto Giacometti ……………… 6 Arte Pop // Andy Warhol ……………………………………………… 9 Neo Dada // Jasper Johns ……………………………………………. 10 Nuevo Realismo Francés // Yves Klein ……………………………… 11 Nueva Abstracción // Morris Louis …………………………………… 12 Minimalismo // Robert Morris ………………………………………… 13 Arte Óptico // Victor Vasarely…………………………………………. 14 Desmaterialización del objeto // Wolf Vostell, Yoko Ono …………. 15 Performance y Body Art // Marina Abramovic ……………………… 17 Land Art // Christo - Jeanne Claude ………………………………… 18 Arte conceptual // Joseph Kosuth …………………………………… 19 Arte Povera // Michelangelo Pistoletto ……………………………… 20 Hiperrealismo // Chuck Close ……………………………………….. 21 Arte Postmoderno // Sandro Chia …………………………………… 22 Neo Expresionismo // Keit Haring …………………………………… 23 Capítulo III: Últimas tendencias…………………………………………………… 25 Conclusiones…………………………………………………………………….…… 27 Bibliografía……………………………………………………………………….…… 28

! !

!3

! Sinópsis La participación de la fotografía ha cambiado estrepitosamente después de la segunda mitad del siglo XX, no solo técnicamente ha tenido una revolución importante en la calidad de la reproducción de una imagen, sino que también se ha especializado en los diferentes ámbitos para formar parte en el siglo XXI de la vida cotidiana de la sociedad. Este ensayo correlaciona algunos trabajos fotográficos que ahora han alcanzado al movimiento para resaltar la realización artística de algunos personajes representativos de las distintas corrientes y teorías estudiadas. Es una muestra del uso de la fotografía contemporánea que en su propia expresión, hace arte.

!

Introducción La evolución del arte y su transición de valor a partir de un objeto para en el proceso perderse en una propuesta ideológica ha dado a la fotografía ventaja sobre el realismo gráfico que puede captar una idea. Así como “hace” ideas, interpreta su realidad y contextualiza a partir de las imágenes. Este trabajo pretende resaltar “el ojo y las vistas” de algunos autores que acompañan a los artistas más representativos de las distintas corrientes que se han desarrollado a partir de la segunda mitad del siglo XX. Barthes menciona algunas características de la fotografía actual como parte de la denotación y connotación que la misma tiene en la historia que la rodea y que delimita la sociedad en la que se produce. Es así como ahora conocemos a nuestros artistas, a través de la mirada de otros artistas. La forma y desarrollo de lo que a veces se concibe como documental, es ahora el testimonio de la historia del arte. Ya no solo dependemos de los libros y documentos escritos que siempre la han avalado, ahora el testimonio gráfico de entrevistas, documentales y fotoreportajes, son fuentes originales que nos muestran y apoyan las distintas argumentaciones para continuar con la linea histórica dentro del arte, y por supuesto de la producción artística que ahora concibe la documentación de diferentes genialidades bajo el ojo de un artista: el fotógrafo.

!4 Capitulo I Usos y desusos de la fotografía contemporánea

!

El mensaje fotográfico lo describe bajo los mismo criterios de los factores que intervienen en la comunicación, Barthes menciona las características principales y la afectación que provoca el emisor o productor de la foto, el medio o la cámara y revelado, y el receptor quién interpreta la imagen. Ahora en el pie de la foto puede intervenir una argumentación que en muchas ocasiones se convierte en la propuesta de una interpretación sobre nuestra realidad. Barthes la interpreta esta imagen en tres sentidos: el informativo que la describe, el simbólico que le da significado conforme a los valores universales y el tercer sentido que se entiende como el intuitivo y analítico, el obtuso. En este uso fotográfico no solo otorga el conocer a los artistas contemporáneos en una imagen estática, sino que tenemos testimonios en movimiento que nos muestran su forma de crear en “vivo”, sus ideas expresadas por ellos mismos en un sin fin de entrevistas y muestras documentales que nos contextualizan trayendo su entorno gráfico al presente. Ahora es posible tener nuestra propia interpretación a partir de todos estos documentos originales que nos permiten acceder a la información de primera mano y no a los referentes sobrevivientes de siglos pasados que suelen ser confusos e interpretados por expertos bajo su propio criterio. La importancia de la fotografía estática y en movimiento, se vuelve indispensable para entender nuestro pasado, presente y pautar el futuro en el arte, por el arte.

!

Capítulo II Autores del arte contemporaneo en imágenes

!

Expresionismo Abstracto

Jackson Pollock

como uno de los principales representantes del

movimiento junto con Frinz Kline, Willem de Kooning, Barnett Newman y Mark Rohko, por mencionar los más relevantes. El Expresionismo Abstracto es

!5 etiquetado por el crítico neoyorquino Robert Coates en 1946 para describir a los pintores estadounidenses que inventaban nuevos lenguajes abstractos para comunicar sus sentimientos más profundos. Aunque esta corriente abarca varios estilos, se destacan los pintores inclinados por el action painting que defienden la primacía del color (colour field painting). Para documentar parte de este movimiento y en particular el trabajo de Jackson Pollock nos encontramos con el fotógrafo

Hans Namuth,

fotógrafo alemán que

radicó casi toda su vida artística entre Paris y NY, y quién a partir de su trabajo con Pollock que le dio fama dentro del ámbito artístico pudo fotografiar a varios artistas de la época como Willem and Elaine de Kooning, Mark Rothko, Roy Lichtenstein, Jasper Johns, Andrew Wyeth, Helen Frankenthaler y Andy Warhol. Namuth no solo retrató a Pollock sino que también lo filmó en distintos actos de realización artística lo que nos deja testimonio de la manera en que este representante de una corriente tan importante se expresa libremente con brochazos que desprende sin miramiento a un lienzo tirado en el suelo (http://www.youtube.com/watch?v=6cgBvpjwOGo). Sin soltar el pincel y el bote de pintura en sus manos, ni el cigarro que sostiene en la boca, Pollock se muestra naturalmente ante la cámara de Namuth para compartirnos en acción una muestra de su arte.

!

Informalismo Se le nombra Informalismo al surgimiento de varias corrientes que rompen con los principios pictóricos bajo la influencia existencial que provoca los efectos de la II Guerra Mundial. En esta corriente le interesa la semiótica que según Umberto Eco interfiere en el sentido de un mensaje estético y que este significa conforme el código con el que se realiza para su interpretación. Se pueden mencionar entre las tendencias más importantes al Art Brut (considerado al arte “desorganizado”) y al Tachismo (derivado de la palabra tache que significa mancha en francés), siendo

!6 uno de sus principales representantes

Jean Dubuffet

quién a pesar de

haber estudiado arte, se dedicó a pintar a partir de sus 41 años después de haber tenido una carrera en el ámbito vinícola. Fue un practicante de un arte espontáneo y gestual dedicado a la pintura popular, de los niños y los locos. Fotógrafos como

Marc Trivier

, un

artista belga que se ha dedicado al retrato de grandes personalidades y al paisaje, tuvo la fortuna de realizar imágenes de gran calidad de Dubuffet. Por otra parte, la existencia de fotoreportajes de algunas de las exposiciones más pintorescas de este artista considerado el representante del Art Brut, como el realizado en 1973 por l´Institut nationale de l ´audiovisuel en Francia, nos muestra la documentación de la exposición de Coucou Bazar en donde esculturas humanas construidas por Dubuffet se integran a una pintura gigante característica de su arte, y donde no solo vemos el resumen de la realización y la pieza en movimiento sino la explicación del propio autor describiéndola como “una extensión de la pintura al teatro” (http:// www.youtube.com/watch?v=pSSSsa9SqUc ). Estos son ahora testimonios “vivos” que nos acercan a estos movimientos con mucha más intensidad que solo el documento escrito sobre el autor y su obra bajo la mirada crítica de un especialista que lo interpreta según sus parámetros y época.

!

Otras poéticas El grupo CoBrA (nombre formado a partir

de los nombres de las capitales

Copenhage, Bruselas y Amsterdam) fue un movimiento que surge después de los horrores causados por la II Guerra Mundial fundado en Paris en 1948 y disuelto en 1951 por diferencias y enfermedades de sus representantes. Los pintores de esta corriente tomaban su inspiración de los dibujos realizados por niños, del arte primitivo como máscaras tribales y de las creaciones de personas con

!7 discapacidades psíquicas en donde sus temas favoritos incluían animales y figuras fantásticas. Sus representantes relevantes fueron Dotremont, Asger Jorn, Constant Nieuwenhuys, Karel Appel, Corneille y Joseph Noiret. Por otra parte encontramos un movimiento por artistas que rechazan la abstracción y pretenden recuperar en sus obras una Nueva Figuración en donde nuevamente la semiótica interviene como, según Eco interpreta como la hipercodificación estética de la expresión que es un fenómeno que se identifica como creatividad o inspiración, mismos que le dan un valor agregado al continum de las microestructuras en cualquier código estudiado por la semiología. Este código particular de la Nueva Figuración fue desarrollado principalmente por

Francis Bacon, de carácter

pasional y radical, uno de los representantes más crudos de esta corriente que sigue actual en su fama como nos lo muestra la oferta de mayo del presente año, en donde se está subastando uno de sus trípticos en 80 mdd en NY. Tras los pasos de este pintor irlandés, nos encontramos con el fotógrafo

John Minihan

quién lo siguió en su

trayectoria artística para retratar momentos inolvidables como el que está en compañía del famoso novelista William S. Burroughs. Por otra parte, un fotoreportaje realizado por la BBC de londres, nos expone parte de su ideología ante la media y su manera de pensar respecto a lo que expone, una pequeña entrevista de toma abierta que nos muestra al artista, sus movimientos y ademanes con los que se comunica para decir lo que piensa (http://www.youtube.com/watch?v=aFDiemYxuvA). Ya no solo es la lectura de un entrevista importante sino una demostración llena de movimiento y lenguaje cinético que te dice mucho más del autor y su aportación por retomar el arte figurativo de los objetos expuestos. Años después una entrevista por parte de l´Institut nationale de l´audiovisuel explica en retrospectiva su creación y el uso de las diferentes técnicas que utilizó e incluso expone la importancia de la fotografía en la producción de su obra (http://

!8 www.youtube.com/watch?v=KU-tqsTgAe8). Son entonces, estos testimonios los que ahora nos muestran a las personalidades emblemáticas de los distintos movimientos artísticos y forman parte de la historia del arte, misma que ya no solo se plasma en “grandes pergaminos” por críticos especializados, sino de primera mano, el autor se representa a sí mismo y muestra su ideología. Otro representante de esta influencia informalista es

Alberto Giacometti que

se considera, igual que a Bacon, parte del movimiento filosófico existencialista fundado por el francés Jean Paul Sartre a partir de la década de 1940. Así como Sartre quién estuvo muy influido por el filósofo alemán Martin Heidegger, le siguen escritores como Albert Camus, Simone de Beauvoir y Samuel Beckett en quienes parte de su premisa literaria constaba en ver al hombre como un ser aislado en sus elecciones y angustiado por el disentido de la vida. El existencialismo nunca se gestó como movimiento artístico, sin embargo comulgó con varios artistas que surgen después de la II Guerra Mundial. Alberto Giacometti fue uno de ellos. De origen suizo, nació en un ambiente artístico porque su padre era pintor impresionista. Encontró en Paris un ambiente cubista y se integró al grupo surrealista de 1930 a 1935. Evolucionó sus esculturas surrealistas a figuras humanas verticales y extremadamente delgadas de bronce, cuya soledad espacial puede interpretarse como el aislamiento del hombre existencialista.

Richard Avedon, fotógrafo estadounidense de gran trayectoria que afirmaba que, por lo menos en su país, su trabajo de moda y retrato “habían ayudado a definir durante el último medio siglo, la imagen de belleza, elegancia y cultura”. Fue Giacometti uno de los tantos retratos de Avendon en donde no solo capto testimonio de su imagen, sino que pudo transmitirnos la actitud dejada y un tanto desalineada de su personalidad.

! !

!9 Arte Pop Se desarrolla a partir de la década de los cincuentas en Inglaterra y de los sesentas en Estados Unidos en donde una serie de jóvenes toman prestada la estética “de masas” encontrada en revistas, tiras cómicas, anuncios publicitarios o películas inspiradas en la cultura popular. En la lista de sus representantes más relevantes encontramos a Peter Blake, Richard Hamilton, Roy Lichtenstein, Eduardo Paolozzi y Andy Warhol. El crítico inglés acuñó la etiqueta pop art o arte pop en un artículo de 1958.

Andy Warhol

nace en 1928 en Pittsburgh,

Pennsylvania, es un gran ilustrador que incluye distintas técnicas en su obra como el performance, el video y la literatura. Como parte de su trabajo, podemos encontrar algunos vídeos que incluyen los elementos con los que desarrolla su propuesta artística, uno de los más representativos es cuando se presenta comiendo una hamburguesa Burger King a la que le agrega Heinz Tomato Ketchup, elementos que podemos observar repetidamente en su obra (https://www.youtube.com/watch?v=Ejr9KBQzQPM). Este artista es un ejemplo claro de lo que menciona Omar Calabrese al examinar a una época neobarroca cuando se suscitan cambios importantes en la expresión gráfica y mediática que revolotea la ideología y la estructura social. Andy Warhol no solo revoluciona la ilustración, sino también la estética y la idea sobre los objetos comunes. Warhol fue fotografiado por muchos artistas como Jack Mitchell o Hans Namuth pero en este caso, la fotografía tuvo otros usos que resultó para Warhol una herramienta esencial para su obra. Uno de los fotógrafos que colaboró en la genialidad de Warhol es

Arthur “Weegee” Felling, un fotógrafo ucraniano que debido

a su larga trayectoria como productor de imágenes de la vida común que iban desde instantáneas de víctimas de reyertas callejeras cubiertas de sangre, accidentes de tráfico y altercados callejeros, hasta escenas de la vida común de

!10 los ricos y pobres de Nueva York, hizo grandes aportaciones al trabajo de Warhol. Weegee dando un vuelco a su destino se convirtió actor y en sus tiempos libres fotografiaba a las estrellas de Hollywood para publicar al tiempo Naked Hollywood. Weegee conoce a Warhol en Nueva York y lo fotografía con un caleidoscopio y se identifican como un par de artistas que manipulan y le dan poder a la imagen de los famosos. Estos tienen una amistad que alimenta sus trabajos profesionales de manera particular. A la muerte de Andy Warhol surgieron, como ya es una costumbre, varios documentales sobre su vida y obra. Uno de los más completos, es el realizado por la KBBS (https://www.youtube.com/watch?v=UQXpqQO4vaE) con una duración aproximada de dos horas en donde se muestra a Warhol desde su infancia, muy bien ilustrado, lleno de datos y entrevistas entre las que aparecen el artista filmado en invariables ocasiones que nos muestran su personalidad cohibida e insegura ante los demás, así como la genialidad en su obra.

!

Neo Dada El artista estadounidense

Jasper Johns,

considerado uno de los

precursores del pop art en su país que forma a ser parte de la tendencia neodadaista comienza haciendo litografía en NY, mismas que puede exponer en Bilbao, y entre 1975 y 1980 las sigue produciendo en Paris. Johns, heredero de los movimientos artísticos europeos del surrealismo y dadaísmo. Alcanzó la fama en 1958 a raíz de sus primeras pinturas con cera en las que representaba elementos de la cultura popular norteamericana como banderas, dianas y tipográficos, símbolos que se convirtieron en la principal seña de su identidad en su lenguaje pictórico. Su obra es muy demandada y cada vez más valorada. Encontramos un video (http://www.kiestu.com/videopage/on/sAkhi0K6mg.html) en donde se está vendiendo su obra al mejor postor y en donde él mismo opina al respecto. Esta perspectiva de la venta de su propia obra, nos abre también otro panorama al

!11 documentar el valor que tiene para el artista el reconocimiento de sus compradores. El fotógrafo que resalta en esta corriente es

Timothy

Greenfield-Sanders, quién no solo ha fotografiado a Jasper Johns, sino a otros representantes del Pop Art como Roy Lichtenstein, Andy Warhol y Robert Rauschenberg. La colección de retratos de este fotógrafo la encontramos en The Museum of Modern Art, The New York Public Library, The Whitney Museum and The National Portrait Gallery entre otros, así como se han editado varios libros con su material que abarca muchas celebridades de todos los ámbitos.

!

Nuevo Realismo Francés A finales de los cincuenta y principios de los sesenta determinados artistas europeos, conocidos como nuevos realistas, emprendieron nuevas maneras de abortar la realidad. Pierre Restany escribe el manifiesto original para el grupo titulado “Declaración constitutiva del Nuevo Realismo” en 1960 y que manifiesta que “La pintura de caballete o cualquier otro medio de expresión clásica en el dominio de la pintura o de la escultura ha llegado a su fin...¿Que nos proponemos en la actualidad? La apasionante aventura de lo real, percibido en si mismo y no a través del prisma de la transcripción conceptual o imaginativa”, se firma en el taller de Yves Klein. El nuevo realismo rechazaba al tachismo al mismo tiempo que, al otro lado del Atlántico, el neodadaísmo renegaba del expresionismo abstracto. Ambos estilos reemplazaron el gesto pictórico con un lenguaje visual colectivo de materiales, objetos e imágenes sacados de la vida cotidiana. Yves

Klein nace

en Francia en 1928, principal representante del nuevo realismo, también era un aficionado a la sátira que patentó un azul marino llamado IKB (International Klein Blue) y vendía lienzos idénticos cubiertos de dicho color a distintos precios. En su

!12 serie “Antropometrías”, mujeres desnudas pintadas de IKB presionaron sus curepos contra papel y tela en un gesto radical que anticipaba el arte del performance. La muerte prematura de Klein en 1962 restó fuerza al movimiento, que no obstante ayudaría a configurar el arte pop, el conceptualismo y el arte concreto. Así como Warhol con Weegee, Yves Klein compartió su ideología con fotógrafos como

Charles Paul Wilp, quién no solo ejercía como productor

de imágenes sino que era también diseñador publicitario y editor de cortometrajes. En el trabajo de Wilp se nota su concordancia con la obra de Klein. Estos artistas desafían la legitimización de sus mensajes descritos dentro de la condición postmoderna, que nos muestra Jean Francois Lyotard, en cuanto a los personajes que los emiten, los medios y los que los reciben. La información se legitima en el saber narrativo o comunitario y en el saber científico. Conforme se va estudiando y catalogando la información, se van haciendo distintas conjeturas que limitan la emancipación de la humanidad. Un trabajo publicitario relevante de Wilp que pudiera servir como ejemplo, es su famosa Afri Cola (https:// www.youtube.com/watch?v=dMdcu1hHSHc) que anuncia detrás de un cristal húmedo y que resulta muy característico de su obra, su mirada a través de un elemento translucido que nos permite ver desde otra perspectiva con elementos en el mensaje comunes, así una de las fotografías más conmemorativas de Yves Klein. Otro trabajo importante de Wilp fue su exposición “Charles Wilp Space” que se documenta en varios vídeos (http://vimeo.com/72284983) donde también encuentra un mensaje con códigos comunes de la humanidad para expresarse y causa conmoción en el arte.

!

Nueva Abstracción Esta corriente privilegia la linea y la forma. Se interesa en el color sin ingredientes de textura o materia. Entre sus influencias, destaca la de los constructivismos de la primera vanguardia. También conocida como Pintura Sistemática o Abstracción Postpictórica es donde se abandonan las técnicas y los principios del expresionismo abstracto. Se reemplazan las marcas gestuales por una aplicación

!13 anónima de pintura; las marcas espontáneas por un diseño premeditado; la sensación de profundidad por superficies planas y la expresión de las emociones por una pintura como objeto puramente visual. Sus diversos estilos incluyen el hard-edge, la stain-painting y el colour field painting. Entre los artistas más representativos encontramos a Helen Frankenthaler, Ellsworth Kelly, Kenneth Noland, Frank Stella y

Morris Louis

quién utiliza la técnica del

derrame o chorreo y de difusión del color muy diluido y vertido sobre la tela sin preparar (color field painting). Actualmente el MOMA (Museum of Modern Art, NY) contiene una de las colecciones del autor más importantes. Para documentar su retrato, así como muchas imágenes de la de muchos artistas que definen el estilo de color field painting, podemos nombrar al fotógrafo alemán que viaja a NY a los quince años para volverse americano y ejercer toda su carrera artística,

André Emmerich,

quién además instituye una de las galerías más

influyentes en el arte en los cincuenta con sus retratos y quién también desarrolla un papel implorante como comerciante en el arte.

!

Minimalismo Es un estilo practicado por una serie de artistas estadounidenses que desde mediados de los sesenta realizaron estructuras geométricas en serie y a partir de materiales industriales. Son obras autosuficientes sin ninguna referencia externa. Parte de este grupo eran Carl Andre, Dan Flavin, Eva Hesse, Donald Judd y Robert Morris. El Minimalismo tiene su apogeo entre los años 1965 y 1968 en donde se manifiesta en la exposición “Estructuras Primarias” realizada en el Museo Judío de Nueva York en 1966.

Robert Morris acude normalmente a la

!14 escultura geométrica simple en donde a menudo consisten en materiales de la industria o de la construcción tales como el acero, fibra de vidrio y madera contrachapada que comercialmente se fabrican según las especificaciones del artista. Como parte de una entrevista actual (http://www.interviewmagazine.com/art/ robert-morris/#_), es fotografiado por

Grant Delin

quién al principio de su

carrera asiste a Richard Avendon. Este jóven fotógrafo participa en varias revistas de moda y a fotografiado a varios artistas entre los que se encuentran famosos grupos como los Rolling Stones.

!

Arte Óptico Mejor conocido como Op Art (abreviatura de arte óptico), se refiere a aquellas obras que producen efectos visuales inesperados tales como la ilusión de movimiento, profundidad o vibración. Este arte considerado también como “cinético” abarca tres grandes rubros, según Lourdes Cirlot: el primero se refiere a las obras con movimiento real, el segundo a las obras estáticas que producen efectos ópticos y en un tercer rubro las obras que requieren el movimiento del espectador para lograr captar la ilusión óptica deseada. La exposición que cristalizó este movimiento se realizó en el MoMa de NY en 1965 llamada The Responsive Eye en donde la muestra incluía gran variedad de artistas abstractos aunque la atención la recibieron por parte de la prensa los llamados “abstraccionistas perceptuales”, un grupo de artistas internacionales que trabajaban de forma independiente y cuyas creaciones buscaban confundir las expectativas visuales del espectador. Entre estos estaban los pintores británicos Bidget Riley y Michael Kidner, el franco-húngaro Victor Vasarely y los estadounidenses Larry Poons y Richard Anuszkiewics. El engaño visual a propósito era entonces, un fenómeno nuevo dentro del arte.

Victor Vasarely,

pintor húngaro afincado en París. Su

pintura se basa en el rigor científico y combina las leyes de la física y el

!15 conocimiento de la geometría, junto a las cualidades perceptivas del color y su influencia en la percepción visual motivadas por el engaño óptico que provoca en el espectador. A pesar de que hasta los años sesenta se instituye como un artista relevante dentro del arte, su característica obra la comienza a partir de los años treinta en donde se encuentra con un fotógrafo que muere mucho antes de ver a Vasarely como parte importante de esta corriente,

József Pécsi, hizo retrato

(entre ellos el de Vasarely en 1930) aunque también incursionó en el desnudo, la publicidad, la reproducción de objetos de arte, las vistas urbanas y fotografías sociales. Es probablemente uno de los fotógrafos más polifacéticos de la primera mitad del siglo XX.

!

Desmaterialización del objeto Los antecedentes del Happening están en las demostraciones dadaístas. Como forma escénica, el happening es un cuadro vivo en proceso de creación, una obra dramática y visual.

Wolf Vostell,

artista alemán, uno de los más

representativos en esta tendencia que hizo varias demostraciones en París en donde acuño el termino de décollage. Entre las que se encuentran documentadas son la famosa Elektronischer dé-coll/age (https://www.youtube.com/watch? v=y0PbluKtPW8) y Auto Fieber (https://www.youtube.com/watch?v=8dUIkJ1EsdE) realizadas en Berlín en donde muere. Tuvo relación con varios fotógrafos, incluso algunos lo llaman el padre del video arte por las técnicas de exposición que utilizó. También tuvo una implorante participación en el movimiento artístico llamado Fluxus que tiene que ver más con la experiencia y su divulgación que con las artes plástica propiamente dichas. Dentro de este movimiento encontramos a

Yoko Ono que provenía de la aristocracia japonesa. En 1953 llega a Nueva York y con la influencia de John Cage se forma en el campo de la música experimental y el teatro y así, a partir de 1960, comienza a participar en conciertos experimentales y performance integrándose al movimiento Fluxus. Como parte de sus amistades en el medio artístico tenían, ella y John Lennon, a un fotógrafo que

!16 ha tenido la oportunidad de producir distintas imágenes de “las bestias sagradas” del rock and roll: Bob

Gruen. Con una trayectoria que tuvo su mayor auge en

los setenta mantuvo una estrecha relación con esta pareja cuando vivían en Nueva York en donde produjo múltiples fotografías de ellos firmadas como por Bob que han pasado a la historia del rock and roll y al inconsciente colectivo. En la actualidad Yoko Ono sigue produciendo música y performance que ahora emite a manera de videoclips como el de “Bad Dance” (https://www.youtube.com/watch?v=d3mvEfON2CI). Es una artista controversial que sigue causando furor en algunos ámbitos artísticos y continúa experimentando. Un reportaje sobre el significado de esta corriente lo encontramos en (https://www.youtube.com/watch?v=8UQFUNswro) en donde distintos personajes definen Fluxus y entre los que participan Wolf Vostell y Yoko Ono. Esta oportunidad que el video nos da de poder acceder a testimonios vívidos de distintas épocas con los artistas que participaron directamente en el movimiento, su definición y apreciación al respecto fortalece su conceptualización a través de los tiempos. Jameson Frederic describiría este movimiento como parte de los productos postmodernos que son desprovistos de sentimientos, son flotantes e impersonales. El pastiche, que es una herramienta usada por el postmodernismo alude al pasado y lo trae para experimentarlo en el presente con otras tendencias bajo sus propias características excéntricas y se convierte en una parodia vacía de un pasado cimentado. Bajo esta misma idea se desarrolla también el Accionismo de Viena entre los sesenta y setenta quiénes sus representantes fueron Herman Nitsch, Otto Muehl, Günter Brus y Rudolf Schwartzkogler. Esta tendencia convocaba la transformación de la realidad mediante la percepción de la vida psíquicaa, asociada a la magia y a los rituales.

! !

!17 Performance y Body Art El arte del performance o arte en vivo es una práctica extendida a partir de la década de los sesenta en la que el cuerpo del artista y su actuación constituyen la obra de arte. Se trata de un arte experimental y transgresor en su carácter conceptual en cuanto que busca comunicar ideas complejas. Como parte de sus representantes más relevantes nos encontramos a Vito Acconci, Chris Burden Bruce Nauman, Carolee Shneemann y

Marina Abramovic, quién empezó

su trabajo en los setenta. De origen serbio, Marina nace en 1946 y sigue trabajando con su propio cuerpo para llevarlo a los límites de su propia expresión. Un trabajo reciente lo encontramos en el MoMa en donde una mesa con dos sillas fueron el escenario. El público se sentaba frente a ella en donde buscaba en el rostro del artista alguna expresión que le hablara de la propia obra. En un momento la sorprende una persona importante que la hace desbordarse a la mitad de su propia exposición (http:// www.youtube.com/watch?v=traUaknfR5o) en donde no se dice una sola palabra, pero verlo a la distancia temporal y espacial en un video, sigue causando conmoción. Encontramos en otro documento videográfico una entrevista en donde la artista nos comparte una de sus experiencias más violentas en uno de sus performance llamado Rhythm 0 en donde expone su cuerpo al público frente a una mesa con 72 objetos de distinta índole y en donde esta disponible para que los visitantes hagan lo que quieran con ella durante seis horas de exposición (http://vimeo.com/ 71952791). En este sentido podemos citar a Arthur C. Danto en donde menciona que algunos momentos en donde el arte ya no es más estético que filosófico para lo que reclama su propia muerte en el afán de cambiar la mentalidad para su nueva apreciación. Marina ha llevado sus performance al peligro que expone a su

!18 propio cuerpo para provocar también los límites de los sentimientos del público. Su cuerpo como ingrediente vívido en su obra la invita a ser parte también del Body Art, tendencia que surge cuando el cuerpo se utiliza como parte de la obra de arte que se expone. Esta manera de hacer una obra con el cuerpo es utilizada por muchos artistas de distintas corrientes y resulta, en general, una humanización que penetra la conciencia del espectador. Podemos recordar nuevamente otra explicación de Arthur C. Danto en su libro Después del fin del arte en donde discierne la diferencia de lo moderno, lo posmoderno y lo contemporáneo. En el principio las obras eran contempladas como casi milagrosas sin considerar al artista. En el arte moderno se manifestaron las maneras humanas de expresión y nuevas técnicas en las que se aplicaron. El rompimiento al arte contemporáneo esta considerado a partir de mediados de los 70´s lugar en que se dieron frases filosóficas que calificaron una nueva estética y en donde el performance y el body art fueron actores en movimiento de esta transición. Land Art Desde finales de los setenta, artistas estadounidenses y británicos empezaron a realizar esculturas de gran formato en entornos naturales, empleando a menudo materiales encontrados allí mismo. Esta corriente vivió su esplendor entre 1960 y 1970. Conocida como land art o arte de la tierra, estas piezas suelen explorar cuestiones ecológica. Entre sus representantes más relevantes encontramos a Robert Smithson, Dennis Oppenheim, Walter de Maria, Richard Long y

Christo-Jeanne Claude.

Esta

última pareja a incursionado e intervenido en ambientes urbanos para lograr obras impresionantes. Nacidos en Bulgaria y Marruecos respectivamente, envolvían con tela playas, parques e incluso un valle entero. En galerías de arte se exponían fotografías, planos y textos de sus piezas. Han realizado sus instalaciones en diferentes países: en 11995 forraron el edificio

!19 del Reichstag en Alemania y en 1985 cubrieron el Puente Nuevo en Paris. También construyeron una cortina de 39 kilometros de largo, llamada Running Fence, en la comuna francesa de Marin en 1973. De sus trabajos más recientes fue The Gates en 2005, el que consistió en instalar 7.503 marcos metálicos en el Central Park de Nueva York. En 1971 conocieron a

Wolfgang Volz,

fotógrafo alemán con quién han compartido desde entonces su obra. Wolfgang no solo ha captado imágenes fijas sino también ha filmado desde entonces sus distintos proyectos. Parte de su trabajo fotográfico ha sido parte de las propias exposiciones en distintos museos en donde se muestra el trabajo de la pareja Claude. En este caso podemos observar la colaboración artística para hacer posible la exposición al público del trabajo del artista, tanto en que lo idea y lo realiza, así como el que lo documenta. La imagen, entonces, se vuelve el transmisor que tiene la responsabilidad de captar la sensibilidad de la obra original para el espectador que la disfruta dentro de un museo. Arte Conceptual Los conceptualistas afirman que sus obras son esencialmente ideas y no objetos, ya que estos no eran más que meros conductos para expresar conceptos. El movimiento tuvo alcance e influencia internacionales a partir de finales de la década de los sesenta y el término se sigue usando para definir determinadas prácticas artísticas de fuerte sustrato teórico. El arte conceptual redefinición de forma radical la obra de arte. Los objetos creados se valoraban en función de su éxito a la hora de comunicar ideas y no por consideraciones estéticas. La tipografía se convirtió en un nuevo medio de expresión artística a finales de la década de los sesenta con representantes como Joseph Kosuth y Lawrence Weiner en Nueva York y el colectivo Art and Language en Inglaterra, las llamadas piezas tipográficas exploraban la lingüística y la manera en que las palabras podían representar ideas dentro de las artes visuales. En el desarrollo de la desmaterialización que sufre el arte a lo largo del siglo XX, se considera el arte conceptual como estación de término, ya que la obra es un mero soporte prescindible.

Joseph Kosuth

nace en 1945, estadounidense formado en el

!20 campo artístico aunque también lleva a cabo estudios de filosofía y antropología. Pese a su intención inicial de superar la existencia mercantilista del arte, actualmente su obra se exhibe en los más importantes museos del mundo como el Museum Haus Konstruktiv en Suiza en donde expuso su obra titulada Text for Nothing (Waiting for.…). Ahora, pasada la exposición, podemos recurrir al video en donde el propio artista explica la argumentación de esta exposición (https:// www.youtube.com/watch?v=0Y_TOXmwMy0) y en donde podemos observar claramente las premisas de esta corriente en su forma tipográfica. Uno de los retratos mejor logrados del artista fue realizado por

Christopher Felver, quién ha

captado innumerables personalidades dentro de la música, la literatura, la poesía, el cine y la vida cultural en Estados Unidos. Como gran parte de los fotógrafos contemporáneos, Christopher incursiona a temprana edad en la intervención bibliográfica de varios libros de arte y revistas, así como en el ámbito cinematográfico. Ha tenido también incontables exposiciones y participaciones a nivel internacional en distintos festivales que le han otorgado un lugar dentro de los realizadores y productores contemporáneos de la imagen como testimonio de la vida artística de nuestra época.

!

Arte Povera En la segunda mitad de la década de los sesentas, un grupo de artistas activo en Italia hacen referencia a lo cotidiano de los materiales que iban desde hortalizas a harapos, pero su significado es más complejo y alude a la ausencia de convenciones culturales o sociales. Entre los más representativos se encuentran Giovanni Anselmo, Luciano Fabro, Jannis Kounellis, Mario Merz y

Michelangelo Pistoletto quién es un artista y teórico italiano que nace en 1933. Normalmente Pistoletto trabaja sus obras con el happening y usa materiales de todo tipo en su mayoría provenientes de la vida cotidiana como ropa, pediódicos usados, madera cartón. Uno de sus temas recurrentes son los

!21 espejos con los que actúa, pinta imágenes o simplemente los coloca en determinada forma. Otra modalidad en los artistas contemporáneos son las páginas web “oficiales” que muestran normalmente su biografia, su portafolio, sus exhibiciones y su bibliografía entre videos y fotografías del autor. En particular la página web de Pistoletto (http://www.pistoletto.it/eng/home.htm) abre con un video que nos muestra un happening de Michelangelo rompiendo con un mazo unos espejos gigantes en donde se refleja una multitud. Este ejercicio se convierte en un “loop” que dura un minuto y se presenta como introducción. Estos nuevos medios de información y comunicación en la red podría describirlo Jameson Frederich en su contexto de posmodernidad como una moda, que en general, denota la urgencia del cambio y de la temporalidad en todos los ámbitos, ahora no importa lo duradero sino lo novedoso y lo último creado, lo tecnológicamente avanzado, lo más sonado en el común comunicativo, menciona el resultado de todo esto en una estructura “esquizofrénica” (según Lacan) en dónde el significado ya no se asocia con el significante de las cosas porque todo esta en movimiento constante. La fotografía que se muestra en la misma carátula junto con el video ya no muestran al autor de estos materiales multimedia que se vuelven globales y parte del patrimonio universal en la red.

!

Hiperrealismo Según Lourdes Cirlot, el hiperrealismo americano surgió en respuesta al intelectualismo exacerbado de algunos artistas conceptuales. Esta corriente se desarrolla a mediados de los sesenta y tiene dos tendencias claras, una hacia la pintura (fotorrealismo) y otra hacia la escultura. En la primera encontramos artistas como Chuck Close con retratos, Richard McLean con sus caballos y corredores, Philip Pearlstein y sus desnudos, Robert Cottingham que se enfoca a tiendas departamentales y de marca, Richard Estes trabaja con las fachadas de los edificios, entre otros. En esta corriente la fotografía forma parte del proceso para la

!22 creación de la obra. Muchos de estos artistas la ejercen como parte de su realización artística. Por ejemplo,

Chuck Close

es un artista

norteamericano, pintor y fotógrafo hiperrealista que trabaja el retrato de distintos personajes y que ha acumulado a través de su trayectoria una colección enorme de personalidades con los que ha evolucionado su arte a otros ámbitos más experimentales, debido principalmente a una hemiplejía obtenida en 1988, una de ellas es atarse a su muñeca los pinceles y las brochas para producir una obra. Uno de sus últimos trabajos ha sido retratar a personalidades hollywodenses con una cámara gigante en donde la placa se revela directamente y así, puede captar de manera natural y en “raw” a sus modelos. El artista nos comparte la importancia de su trabajo (http://www.vanityfair.com/hollywood/2014/03/chuck-close-hollywoodportfolio) ilustrándonos con el espíritu innovador de un artista que ha trabajado un solo tema (el retrato) por más de cincuenta años. Chuck es un artista contemporáneo que atiende al arte moderno donde la representación de la realidad desde un mundo delimitado y bien definido es importante, aunque también contiene al arte contemporáneo en la representación y expresividad artística que consiste o se recarga generalmente en una ideología, según Arthur C. Danto.

!

Arte Postmoderno Postmoderno es un término que describe las reacciones contra el pensamiento y la cultura propios de la época moderna o modernismo. Su uso no se extendió hasta la década de los setenta bajo el rechazo a la modernidad en una crisis de vanguardias y subyace el concepto de que las ideas no pueden describir verdades fundamentales. Como parte de sus representantes más relevantes se encuentran

!23 los artistas Sherrie Levine, Richard Prince, David Salle, Julian Schnabel, Cindy Sherman, Mimmo Paladino y

Sando Chia quién es un

pintor y escultor italiano que nació en 1946, destacado de la Transvanguardia y uno de los principales exponentes del arte postmoderno. Uno de los tantos fotógrafos que han captado su imagen es

Arthur Mones

quién ha

participado directamente en el Museo de Brooklyn en donde se ha armado un catálogo completo de los artistas que ha captado. Pensando en la privacidad que algunas instituciones quieren estableces con los artistas podemos mencionar también otra modalidad específica se ha venido desarrollando a partir de la segunda mitad del siglo XX en donde estas instituciones o entidades le dan preferencia a un artista que homogéneamente capta la evolución de dicha institución por medio de sus actividades y personajes.

!

Neo Expresionismo Esta corriente fue un renacer de la expresión personal en las artes visuales ocurrido alderredor de los ochentas. Es una tendencia internacional antes que una estética concreta, se caracterizó por pinturas figurativas y gestuales, a menudo cargadas de significado alegórico e irónico o de una conciencia típicamente posmoderna. En Alemania se gesta con un grupo de jóvenes artistas que no tienen objetivos trascendentes en sus mensajes, como solía el expresionismo, sino que refleja la interpretación básica de las diferencias entre la vieja y la nueva Alemania. Georg Baselitz fue uno de los principales representantes del movimiento berlinese quién parte de su obra la exponía de cabeza, Gerhard Richter que cuestiona la relación en la pintura y el realismo fotográfico, Sigmar Polke con su técnica que denominó alquimista con apariencia pop, entre otros. Al otro lado del continente, esta corriente se expresa en Estados Unidos con representantes como David Salle a quién han catalogado también dentro de otras corrientes como el Simulacionismo, Bad Painting o New Age Painting. Otro artista

!24 estadounidense representativo es Eric Fischl que con su irreverencia capta la atención de muchos, en otro tono encontramos el trabajo de Jonathan Borofsky y sus enormes esculturas de hierro y reproducciones pictóricas, por mencionar a algunos. Larry Shiner nos explica en su libro La invención del arte que como parte de la distinción del uso artístico en la humanidad a través de los siglos, la la historia del arte se crea bajo circunstancias de apreciación estética en los últimos tiempos, pero empieza conforme a la habilidad del ser humano racional para resaltar los objetos cotidianos y su entorno visual. Dentro de estas últimas corrientes se desarrolla una técnica muy particular que invade las zonas urbanas llamada el Arte del Graffiti en donde nos encontramos con Jean Michel Basquiat y

Keith Haring quién fue un artista que refleja el espíritu pop y la cultura

callejera de Nueva York de los años ochenta. Fue también un importante activista social. Parte de su proceso artístico fue cubierto por el periódico El Pais (http:// ccaa.elpais.com/ccaa/2014/02/27/catalunya/1393535246_601176.html) bajo la responsabilidad editorial de José Ángel Montañez quién estuvo alrededor de tres horas con el artista y quién describe su proceso artístico lleno de firmes trazos y con una actitud relajada. Para este reportaje escrito lo acompañaba la fotógrafa

Silvia T. Colmenero, misma quién sigue trabajando como freelanz para distintos medios impresos con una trayectoria que data ya de más de 30 años de trabajo. Fotoreporteros como Silvia, también han tenido la dicha a través del tiempo de cubrir personalidades que sin previo aviso se vuelven representativos de una época o una corriente, como en este caso. De aquí, otra responsabilidad de los fotógrafos en la creación de imágenes para los medios impresos que ahora se vuelven electrónicos casi al mismo tiempo con su difusión en la red.

! !

!25 Capitulo III Últimas tendencias Como parte de las tendencias más innovadoras encontramos el neopop que le antecede el arte pop de los sesenta como punto de partida, hacia los años ochenta una serie de artistas jóvenes produjeron piezas que reflexionaban sobre la compleja relación de la sociedad con la cultura popular. Para ello recurren a enfoques analíticos cercanos al conceptualismo. Entre los artistas representativos del Neopop podemos mencionar a Jenny Holzer, Jeff Koons, Takashi Murakami, Richard Prince y Haim Steinbach. A partir de los ochenta también y como reacción ante el minimalista imperante en la década anterior, artistas británicos obtuvieron el favor del público y la crítica con sus esculturas simbólicas y expresivas. La denominación de nueva escultura británica engloba estilos diversos tanto figurativos como abstractos. Algunos de sus representantes son Tony Cragg, Richard Deacon, Antony Gormley, Anish Kapoor y Bill Woodrow. Otra corriente, el sensacionalismo que explora temas contemporáneos pero también a temporales como la ética o la mortalidad. Parte de los artistas representativos del sensacionalismo son Jake y Dinos Chapman, Tracey Emin, Damien Hirst, Sarah Lucas y Chris Ofili. Una corriente que se cristalizó en el siglo XXI es el intervencionismo. Las intervenciones artísticas son modificaciones de objetos, entornos y sistemas ya existentes. En el contexto del mundo del arte son interacciones con obras, audiencias o espacios expositivos; en los espacios públicos, constituyen intentos por revelar o cambiar las condiciones sociales. Daniel Buren, Maurizio Cattelan, Jenny Holzer Gordon Matta Clark y Rirkrit Tiravanija son algunos representantes de esta tendencia. Una corriente que sigue teniendo auge en muchos países es el street art, se llama así al arte urbano creado en las calles que no ha sido encargado ni sancionado. Va más alla de los grafitos e incluye gran variedad de soportes y estilos.

Bansky,

Shepard

Fairey, Futura 2000, Keith Haring y Swoon son dignos representantes que ilustran muy bien dicha corriente. En los últimos años se le llama internacionalismo al arte del siglo XXI en donde es el producto de un mundo más global. Galerías,

!26 museos, ferias de arte presentan obras de todos los continentes. Muchos artistas consagrados llevan un estilo de vida itinerante y funden en sus obras estilos,

materiales, imágenes e ideas tanto locales como transnacionales. Como parte de este grupo de artistas se considera a Kutlug Ataman, Kander Attia, Subodh Gupta, Pascale Marhine Tayou, Ai Weiwei. En cuanto a las temáticas, el arte retoma la escénica de las cosas, siendo lo étnico uno de sus puestas en escena preferidos al publico. En cuanto al alcance en este siglo de la fotografía se ha vuelto un común denominador de la población mundial que cuenta con la posibilidad de, por lo menos, tener un teléfono móvil. Jean Budrillard habla sobre la subjetividad con la que nombramos nuestra realidad a través de las imágenes y formas que vemos, todo lo interpretamos conforme a los valores inculcados y parámetros con los que podemos ver y juzgar las cosas. El acceso a los aparatos electrónicos reproductores de imágenes, desde una cámara digital, un ipad o tableta electrónica de cualquier tipo, un teléfono y cualquier dispositivo que tenga esta función, vuelve al hombre actual, un productor de imágenes que van desde lo personal y lo más particular, hasta lo contextual. Esta posibilidad ha dado a los artistas una difusión inesperada en donde los parámetros de autoriza sobre su propia obra son ahora muy abiertos cuando cualquier espectador la capta y la sube a la red.

!27

! !

Conclusiones

Las corrientes artísticas siguen su evolución conforme la transición ideológica de la humanidad y su reacción ante la globalización de los mensajes. El entendimiento del artista y la percepción de su público cambian radicalmente de un país a otro encontrando sus puntos de convivencia en la red. La semiótica se empieza a unificar después de casi treinta años de convivencia con Internet, el mundo del arte se ha revolucionado y globalizado para seguir transmitiendo sus ideas ahora por medios polifacéticos y a temporales. Así como Nicolas Bourriaud en su libro Radicante plantea su preocupación sobre el tema de cómo la globalización ha afectado de manera crucial la forma de interpretar los mensajes emitidos mediante cualquier medio, el fotógrafo y artista actual de cualquier lugar, ahora debe aprender los parámetros de comunicación básicos para estar presente a nivel mundial, en la nube. Es entonces, hoy día, que acceder a conocer cualquier corriente cultural a partir de la búsqueda de información y contenidos que podemos encontrar de primera mano en Internet, nos facilita su entendimiento y nos permite crear, conforme nuestra capacidad, conocimiento y entorno, una opinión con una argumentación de referencias concretas. Por su parte, actualmente el artista también, no solo puede mostrar a nivel mundial su trabajo, sino que puede expresar por medio del video, a parte de su labor históricamente escrita, sus opiniones y concepciones de su realidad que ahora comparte a nivel global.

! ! ! ! ! ! ! !

!28 Bibliografía Páginas electrónicas http://www.npg.si.edu/exh/namuth/index5.htm http://www.youtube.com/watch?v=6cgBvpjwOGo http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/10/hans-namuth.html http://www.funnel.tv/1949-life-magazine-featuring-jackson-pollock-_-funnel-collections/samsungdigital-camera-13/ http://ccp.uair.arizona.edu/item/31929 http://www.michaelblackwoodproductions.com/artm_dubuffet.php http://albertbaronian.com/artists/29-marc-trivier http://www.youtube.com/watch?v=pSSSsa9SqUc http://www.institut-national-audiovisuel.fr/en/about-us/our-collections/ina-fr.html http://www.iamsterdam.com/es-ES/Ndtrc/Cobra%20Museum%20voor%20Moderne%20Kunst http://diario.mx/Estados_Unidos/2014-05-13_7ebbd082/subastan-triptico-de-francis-bacon-por-80mdd-en-ny/ http://johnminihan.blogspot.mx/p/francis-bacon.html http://www.youtube.com/watch?v=KU-tqsTgAe8 http://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/giacometti.htm http://oscarenfotos.com/2012/07/25/richard-avedon-la-revolucion-elegante/ https://www.youtube.com/watch?v=Ejr9KBQzQPM http://blog.burnedshoes.com/post/25525272200/weegee http://lightbox.time.com/2011/11/28/weegees-naked-hollywood-at-moca/#1 http://nnfotografos.blogspot.mx/2009/12/arthur-weegee-fellig-1899-1968.html http://www.biography.com/people/andy-warhol-9523875#awesm=~oEOrv9h1WlwEP2 https://www.youtube.com/watch?v=UQXpqQO4vaE http://www.kiestu.com/videopage/on/sAk-hi0K6mg.html http://www.buscabiografias.com/bios/biografia/verDetalle/3026/Jasper%20Johns http://www.biografiasyvidas.com/biografia/k/klein_yves.htm https://www.youtube.com/watch?v=dMdcu1hHSHc http://vimeo.com/72284983 http://culturacolectiva.com/louis-morris-un-artista-de-los-campos-de-color/ http://www.moma.org/collection/artist.php?artist_id=3607 http://www.legacy.com/obituaries/nytimes/obituary.aspx?n=andre-emmerich&pid=95079594 http://www.vasarely.com/site/intro.htm http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/10/jozsef-pecsi.html http://www.maimano.hu/konyvtar_03_en.html http://www.interviewmagazine.com/art/robert-morris/#_ http://www.gdelin.com/ https://www.youtube.com/watch?v=8dUIkJ1EsdE

!29 https://www.youtube.com/watch?v=8dUIkJ1EsdE http://www.taringa.net/posts/imagenes/7774145/Fotografos-del-Rock-hoy-Bob-Gruen.html https://www.youtube.com/watch?v=d3mvEfON2CI https://www.youtube.com/watch?v=8UQFU-Nswro https://www.youtube.com/watch?v=0Y_TOXmwMy0 http://www.chrisfelver.com/index.html http://marinafilm.com/about-marina-abramovic http://www.youtube.com/watch?v=traUaknfR5o http://vimeo.com/71952791 http://marinafilm.com/about-marina-abramovic http://www.christojeanneclaude.net/videos/big-air-package#.U3zoXcejBxM http://www.youtube.com/watch?v=x4sl5F1J5g0 http://www.vanityfair.com/hollywood/2014/03/chuck-close-hollywood-portfolio http://www.haring.com/!/about-haring/bio#.U30PScejBxM http://ccaa.elpais.com/ccaa/2014/02/27/catalunya/1393535246_601176.html

! !

Libros Umberto Eco. Tratado de semiótica general: Editorial Lumen, 2000. Omar Calabrese. La era neobarroca. Ediciones Cátedra, 1999. Jean Francois Lyotard. La condición postmoderna. Ediciones Cátedra: Madrid, 1987. Fredric Jameson. Ensayos sobre el posmodernismo. Ediciones Imago Mundi, 1991. Arthur C. Danto. Después del fin del arte. Paidos, Barcelona, 1999. Jean Baudrillard. El crimen perfecto. Editorial Anagrama, Barcelona, 1996. Larry Shiner. La invención del arte. Paidos, 1995. Nicolas Bourriaud. Radicante. Adriana Hidalgo editora, 2009. Roland Barthes. Lo obvio y lo obtuso. Paidos, Barcelona, 1986.