Música contemporània

Consell Valencià de Cultura ::

Comissió de Promoció Cultural

8 d’abril de 2016, a les 12 hores

PREÀMBUL

Diuen que el bon llenyataire dedica sis hores de la seua jornada laboral a esmolar la seua destral i dues hores a tallar arbres. I és això el que caldria fer amb el llenguatge. Quan parlem de conceptes, intentem definir les coses i volem parlar amb propietat. Si no afilem ben bé el nostre llenguatge no serem capaços d’entendre’ns. A hores d’ara no és gens senzill parlar de música contemporània.

BREU PONÈNCIA ::

La música contemporània Sabedors que Déu i Schoenberg van morir fa ja algunes dècades i l'art viu emancipat i dispers en apartaments de 25 m2, m'atrevisc a mirar vells textos i tornar a gastades disquisicions sobre la creació estètica, la història i la bona educació. Sí, antigues qüestions, però que tant animen el debat en moments d'incertesa, tot i que, ¿no estem sotmesos constantment a aquest principi físic descobert per Heisenberg en 1927? Diuen els més veterans (i comence a sentirme un d'ells) que l'única certesa és que morirem, encara que, per descomptat, mai sabrem en quina posició i a quina velocitat. Ah! La mort ..., apassionant tema, sens dubte, però no és del que anava aquesta breu ponència. Del primer personatge no vaig a parlar gran cosa, segurament res. Ningú ha demostrat la seva existència fins a la data i bastants qüestions importants tenim entre mans com per caminar pels inextricables camins de la teologia. Del segon, que va caminar del judaisme al protestantisme, passant pel catolicisme, i tornada a començar, va conversar a la intimitat amb més d'un déu, però, continuen

interessant alguns dels seus posicionaments intel·lectuals i artístics. És veritat que Schoenberg va morir el 13 de juliol de 1951, com també ho ha fet molt recentment Pierre Boulez, i com va deixar escrit l'autor de Moses und Aron “les coses només es poden explicar a fons quan ja han mort”. Quina fatalitat! Schoenberg va deixar constància de la importància del valor històric dins de l'ensenyament. (Només cal repassar la introducció del seu ben conegut Tratact d’Harmonia, Harmonielehre). Només fent comprendre als alumnes el passat, podran, més tard, entreveure el futur i només quan una obra comença a ser compresa, es busca l'ordre i les lleis que, potser, l'han fet possible. Per això l'Estètica s'erigeix en la gran fagocitadora de l'Art, impedint el moviment, el canvi. Schoenberg, compositor, artista i “teòric”, avorreix la teoria i els teòrics que destil·len constantment lleis “eternes”, “cànons” inamovibles, i que tracten de posar traves i cotilles al desenvolupament de l'art. A hores d'ara del ball, resulta paradoxal, no creuen? Per al compositor jueu “... en tot el que viu està contingut el seu propi canvi, desenvolupament i dissolució. La vida i la mort estan ja en el mateix germen. El que hi ha entre elles és temps. Així, doncs, res essencial, sinó només una mesura que s'omple necessàriament.” John Cage, per la seua part i per jugar amb una altra perspectiva no-europea, va aclarir fa un bon grapat d’anys en una famosa conferència que “la música contemporània/no és la música del futur/ni la música del passat/sinó simplement/música que està amb nosaltres/en aquest moment,/ara,/aquest ara moment./Eixe moment sempre està canviant.[…] Quan apartamen la música de la vida el que obtenim és art (un compendi d’obres mestres). Amb la música contemporània, quan és de veres contemporània, no tenim temps per a fer eixa separació (que ens protegeix de viure), i així/la música contemporània no és tant art com […] amb la música contemporània no hi ha temps per a fer alguna cosa com classificar. L’únic que pot fer-se és escoltar sobtadament,/de la mateixa manera que quan ens refredem l’únic que podem fer és esternudar sobtadament.” La modernitat i la seva narrativitat i el concepte de progrés marquen inevitablement el discurs schoenbergiano. Eren altres temps. “Amb aquest exemple, aprendrà l'alumne a conèixer l'única cosa que és etern: el canvi; i el que és temporal: la permanència. S'ha de donar compte així que molt del que s'ha tingut per estètica, és a dir, per fonament necessari de la bellesa, no està sempre fonamentada en l'essència de les coses. Que és la imperfecció dels nostres sentits el que ens obliga a uns compromisos gràcies als quals arribem a un ordre. Perquè l'ordre no ve exigit per l'objecte, sinó pel subjecte.” ¿Segueix sent la fe en el progrés el motor de la història de la humanitat? Certament, el model hagués deixat de ser operatiu si no seguís vigent aquesta

esgotadora idea dels temps moderns (“aquesta societat contemporània avança que és una meravella”, recorden?). El progrés tecnològic segueix marcant el frenètic compàs a un planeta exhaust i al límit del col·lapse. El desenvolupament de nous canals i instruments de comunicació acosten a la humanitat, es coneix de forma immediata del que passa en qualsevol racó del món, però no aconsegueix que la vida deixe de ser més banal, anodina i insensible que mai. Fa dos-cents anys que Goethe va criticar i va carregar contra un món emborratxat de "riquesa i velocitat", completament abduït per les comunicacions i enfonsat en la mediocritat. Doncs, això, han passat dos segles i no sembla que les coses hagen canviat gaire. La boja cursa en nous i més veloços atuells continua. El professor d'Estètica Vicente Jarque embasta un interessant relat sobre la interpretació historiogràfica de l'art contemporani en el seu assaig Història, progrés i art contemporani. En aquest text, es revisa l'obra de Gombrich, polèmic “comentarista de la història de l'art” que va tensionar la discussió més si cap en afirmar que “la filosofia del progrés en l'art” condueix inevitablement a “la teoria de l'avantguarda”. I en aquest bucle ens trobem des de fa dècades, ¿no els sembla? Jarque part de la hipòtesi de que “la història de l'art no té sentit sense referència a la història de l'ésser humà”, però adverteix que, si bé la “història del món” és la narració de la lluita de l'ésser humà per la seua emancipació -ja això podem anomenar “progrés”-, l'art, gràcies a l'autonomia que li brinda el seu propi relat, no “progressa” en absolut. Ara bé “només pot ser entès i valorat (interpretat i eventualment narrat) en confrontació amb aquest progrés que no és l'art, ni té per què ser-ho, sinó de la humanitat.” Aquest professor de la Facultat de Belles Arts de la Universitat Politècnica de València persegueix el complex objectiu de “crear lligams entre la realitat de l'art actual, suposadament emancipat, i aquesta humanitat, palesament no emancipada, que el produeix i el pateix o gaudeix.” Fa uns mesos, Pedro Ordóñez Eslava ens anunciava en un article la publicació del seu assaig Sevilla i la música contemporània. Estudi d'una història viva. El musicòleg i guitarrista aprofitava per lamentar-se de la situació actual que travessa la creació musical contemporània i l'art sonor del nostre temps: la manca de suports i subvencions i la inexistència de públics interessats, per acabar carregant contra les institucions públiques i la seua falta de sensibilitat ara que en l'econòmic van mal dades. No obstant això, Ordóñez dedica un últim paràgraf a l'autocrítica i proposa “aprofitar aquesta oportunitat -ja saben ... allò que tota crisi és una oportunitat, etc.- per deixar de pidolar almoines institucionals” i qüestionar “per què no hi ha un públic atret per la creació musical contemporània i quina part de responsabilitat tenim en això.” ¿Quantes vegades hem llegit o escoltat aquest mateix lament, retret i autocrítica? No dic que no siga legítim i necessari per a alguns compositors, però

a hores d'ara del segle XXI, que, certament, ja va despertar, encara que es pot seguir pensant que no ens vam adonar, no pertoca a seguir plorant per la música contemporània. Si l'última crisi del capitalisme depredador ha fet desaparèixer festivals, subvencions, ajudes i centres dedicats a la mateixa, no cal continuar amb el sempitern lament, que, d'altra banda, sempre ha acompanyat a aquest gènere, estil, estètica, escola o simplement etapa històrica de la música clàssica occidental, de la música seriosa, de la música culta, de la nova creació ... o com siga que vulgam anomenar-la. És important fer una reflexió profunda sobre quin ha estat i ha suposat la música contemporània? A qui va interessar realment?, però també preguntar-se si no convindria passar pàgina i posar en quarantena el concepte de contemporani associat al de música o al d'art en general? Mentre la història de la ciència i de la filosofia evolucionen (o transiten) des de l'estructuralisme cap al posthumanisme, la música segueix aferrada al contemporani, que és com no dir gran cosa en aquest moment. Són molts els historiadors de l'art i estetes que des de fa anys parlen de canviar d'etapa i abordar una complexa post-contemporaneïtat sense complexos o escollir algun nou concepte que s'ajuste més a la majoria d'edat de la creació musical actual. Per què no? Es cau de manera recurrent en la contradicció d'enaltir l'emancipació i autonomia plenes de l'art musical, però sense perdre de vista el far alexandrí de l'academicisme contemporani. Es podria preguntar a qui ha beneficiat i beneficia la música contemporània cui prodest? - I posicionar-se. Torne sobre el ja caminat en aquesta exposició per apuntalar la cita que Walter Benjamin va fer de Goethe en el seu assaig sobre el poeta, escriptor i teòric alemany: “La riquesa i la velocitat, això és el que el món admira i el que tots desitgen. Els ferrocarrils, els correus ràpids, els vaixells a vapor i totes les facilitats de comunicació possibles, això és el que busca el món conreat per sobre-conrear-se i, així, romandre en la mediocritat. L'accés general a la cultura té per la resta l'efecte de generalitzar una cultura mitjana...” Bruno Tackels, autor d'un magnífic assaig sobre Benjamin, llança una pregunta clau: “Com conciliar l'exigència de democràcia i l'exigència d'excel·lència?” En cent anys, la qüestió no ha evolucionat gaire.

Potser, no estiguem tan necessitats d'inventar noves definicions per allò que fem i som. Segurament, el que fem siga música i que només cal que donem una mirada llarga sobre la història de l'art, en general, i de la música, en particular, per comprovar que disposem d'un generós repertori de moltes i molt encertades definicions de l'art dels sons i dels que fan música atenent a algun dels nombrosos gèneres, subgèneres o estils.

Tornant a Jarque, “avui l'art i el discurs sobre l'art es barregen de vegades inextricablement, i no només s'acompanyen l’un a l'altre. L'obra d'art s'ha convertit, recolzant-se en Harold Rosenberg, en una mena de centaure, meitat materials artístics, meitat paraules, en on al discurs se li atribueix una sort de poder taumatúrgic capaç de transfigurar un objecte qualsevol en obra d'art. Totes aquestes coses són certes, però se'ns ofereixen totes de cop i sense cap ordre, de manera que el resultat, més enllà de la improductiva abstracció, no pot ser més que la incertesa.” Historiadors, filòsofs i crítics d'art tenen la responsabilitat, exigeix el professor de la Facultat de BB AA de València, d’”assumir també els seus límits i reconèixer que la seua tasca és interpretar críticament, dialogar amb el present i amb la tradició, des del present i des del passat, aferrant provisionalment esquinçalls d'experiència i fent memòria mentrestant.” George Kubler suggereix que “en lloc de mirar el passat com un annex microscòpic d'un futur de magnitud astronòmica, hauríem de considerar el futur com un espai limitat per a canvis, i aquests, de tipus dels que el passat posseïa la clau.”

Fa temps que no sóc asidu als Palaus i als auditoris per diversos motius, però tots els anys a la tardor, ajuntaments, diputacions provincials i comunitats autònomes s'afanyen a anunciar a so de bombo i platerets les programacions culturals de la nova temporada. A la premsa escrita, als mitjans de comunicació audiovisuals, en cartelleres, en publicitat de carrer i en costosos fullets de paper couché, els més importants auditoris i les seves orquestres simfòniques despleguen la seua agenda dels propers mesos. També l’Orquestra de València, al igual que la Simfònica de Castelló o OSA d’Alacant, i la informació publicada a doble pàgina en tots els diaris locals i nacionals confirma any rere any el nul interès, per no parlar d'absolut menyspreu, que els gestors d'aquesta institució manifesten cap a la música i als autors del nostre temps. El que durant les últimes quasi tres dècades era una bretxa declarada entre el repertori històric i la nova creació musical, avui ha esdevingut en un abisme infranquejable i em tem que de conseqüències irreversibles per als professionals i els aficionats a la música en aquesta ciutat. Afortunadament, la situació no és la mateixa en altres ciutats espanyoles i les seues orquestres i auditoris, si bé mantenen l'esmentada bretxa, la gestió, però, és ben diferent i des de fa anys dediquen temps, esforç, creativitat i pressupost a la innovació i renovació de programacions, repertoris i públics. No obstant això, i per evitar caure en l'autoflagel·lació, el pessimisme o el titular fàcil, fem números i traguem algunes conclusions per si algú encara té algun dubte referent a això. Així mateix, anime a qui li vinga de gust que faça el mateix a la seua ciutat o amb les orquestres més properes. Però per posar un

exemple i no fer-ho més llarg, durant la temporada 2014/2015 el Palau de la Música de València va oferir 45 concerts, dels quals 27 anaren a càrrec de l'agrupació simfònica resident i 13 comptaren amb el seu director titular i artístic des de l'any 2005, Yaron Traub, pujat al podi. La resta de concerts van estar dirigits per batutes com Pehlivanian, Ros-Marbà, Biondi, Steinberg o Stutzmann, entre altres. L'Orquestra de València, després de repetir repertori musseístic per tots ben conegut, del catàleg patri, només s’escoltaren les Cinc cançons negres, de Montsalvatge, i la Suite Compostelana, de Mompou / Ros-Marbà. La resta de concerts —18—, lluny de compensar la programació de l'Orquestra de València, no aportà cap novetat ni s'apartà una mica del repertori. Els 18 concerts que completaren la temporada van estar protagonitzats per The King's Consort i Purcell, l'Ensemble Artaserse amb un programa barroc, Vaughan Williams i més Txaikovski i Sibelius, la jove orquestra veneçolana Simón Bolívar i Dudamel amb la 5a de Beethoven i un altre monogràfic wagnerià, Fabio Biondi que repeteix fins a dues vegades més al capdavant de l'Europa Galante i la Stavanger Symphony Orchestra, Philharmonia Orchestra amb més Beethoven i Chopin, la Manchester Camerata, l'Orquestra Nacional de França amb una altra 4ª i la 5ª de Txaikovski, la Academy of Ancient Music, l'Orquestra Manuel de Falla, Trondheim Soloists, l'Orquestra Bandart amb la 7a i la 8a de Beethoven i concerts dels pianistes Sokolov, Lisiecki, Zimerman i Maria João Pires, així com les agrupacions valencianes Collegium Instrumentale i Spanish Brass Luur Metalls. No només no trobem cap encàrrec / estrena absoluta -ni relativa- en aquesta recurrent i redundant programació, sinó que no veiem ni un sol autor autòcton (vull dir valencià) -visc o mort-, ni un sol compositor en actiu, ni una sola obra composta en els últims seixanta anys... El més greu d'aquesta situació no és que els gestors d'aquesta institució pública, mantinguda exclusivament amb fons públics procedents de l'Ajuntament de València i de la Generalitat Valenciana, ignoren la música del seu temps i no posen la primera agrupació simfònica de la ciutat al servei dels compositors valencians, sinó el fet que a ningú sembla importar-li el que succeeix. Ni compositors, ni músics, ni tan sols els mateixos que nodreixen la plantilla de l'orquestra, ni públic, ni crítics ... a ningú sembla importar-li aquesta anomalia artística, aquesta mala política cultural i musical. No es pot parlar de percentatges, perquè el cent per cent de la programació està dedicada al repertori històric, a les mateixes simfonies i concerts clàssic-romàntics que any rere any es repeteixen sense parar. Es tracta d’un terrible acte de desproporcionalitat, d’un gran despropòsit. Aquesta política cultural ultraconservadora, poc imaginativa, anacrònica, despectiva i arrogant està fent mal a la imatge de tota una comunitat i el que és més terrible està sentenciant musical i artísticament a tota una societat. Els artistes

han d'exercir la seva influència en les organitzacions polítiques, socials i culturals. Un auditori i una orquestra simfònica no poden operar sense un consell rector, sense una direcció artística col·legiada, en el qual hi participen tots els protagonistes de la vida musical d'una ciutat. Compositors, intèrprets, pedagogs, artistes, musicòlegs, patrocinadors, aficionats, etc. haurien de ser escoltats a l'hora de prendre decisions de caràcter artístic, musical i, per què no, pedagògic. L'edat mitjana del públic que adquireix els abonaments del Palau de la Música de València es troba per sobre dels seixanta anys. Això és un símptoma de que les coses no s'estan fent bé i que haurien d'haver saltat totes les alarmes fa anys. En paraules del gran pensador oriental Confuci: “Es deu considerar la música com un dels primers elements de l’educació, i la seua pèrdua o la seua corrupció és el senyal més acabat de la decadència dels imperis. Volem saber si un regne està ben governat, si les costums dels seus habitants són bones o roïnes? Examinem la música vigent.” Interessants les paraules del filòsof xinès, que ens anima a examinar, a analitzar la música que es fa i escolta al nostre país. Pot ser, aquesta tasca necessitaria un ampli estudi musicològic i que, per tant, s’escapa del tema y de les dimensions de la meua intervenció d'avui. Però és evident que si algu de fora ens visitara i li fèssim la pregunta de quina música escolta als auditoris, als mitjans de comunicació i als carrers, segur que contestaria que es trobava en un altre segle, a Alemanya, Itàlia o França, que la música que escolta a la ràdio és britànica i/o nordamericana i que pels carrers quan és festa sona música festiva de banda de vent o de cornetes i tambors, també, música militar, etc. Res de nova creació musical i sonora autòctona, perquè a penes té repercussió social a la Comunitat Valenciana, i és dur dir-ho així, però a penes té repercussió en els propis estudiants de música dels nostres conservatoris. Esta situació no pot deixar indiferent al sector, i al nostre entendre requereix una profunda reflexió de les causes i possibles solucions. Pensem que la prioritat de tots els que pertanyem al sector de la música de nova creació ha de ser que esta música —expressió cultural musical del nostre temps— trobe l’espai social que es mereix. Fa uns mesos, un bon grapat de compositors, intèrprets i artistes sonors hem creat una plataforma per a visibilitzar-nos i fer palesa la nostra situació, a més a més de manifestar públicament i davant de les diferents administracions les nostres necessitats i… …ja per a anar finalitzant la meua intervenció, m’agradaria enumerar algunes de les propostes per a nosaltres més urgents que, hem agrupat en tres blocs:

1.- Temporada estable de música de nova creació

El apropament de la música de nova creació a la societat passa en primer lloc per una major visibilitat i per això un element essencial seria la existència d’una temporada estable de música de nova creació en un espai propi de referència on el públic es puga identificar amb ella. 1.1. Temporada estable: la idea seria programar una temporada anual, en la que tingueren cabuda totes las expressions artístiques que en ella s’engloben, i que tinguera la participació regular de creadores i intèrprets valencians. 1.2. Espai de referència: sol·licitem a l’administració l’ús regular d’un espai adequat per al desenvolupament d’aquesta temporada. Per això, l’espai hauria de comptar amb totes les necessitats tècniques que es requereixen per als diversos tipus de músiques de nova creació.

Aquest espai també podria utilitzar-se per a altres activitats relacionades amb la difusió de la música de nova creació (conferències, tallers, cursos, fondo de documentació…). D’aquesta forma es reforçaria la idea de que és l’espai de referència al País Valencià per a la música de nova creació, per tant donaria una major visibilitat al sector. D’altra banda, en l’espai es podria crear un registre de totes les obres que s’estan creant per tal de mantindre el nostre patrimoni i afavorir la investigació en aquest àmbit.

2.- Col·laboració d’auditoris i Festivals del País Valencià i incentivar la creació. 2.1. Xarxa de col·laboració entre auditoris i festivals de la Comunitat

Paral·lelament a la temporada estable en l’espai de referència preparat per a eixa finalitat (que podria estar en la ciutat de València per a una major connectivitat), és necessari per a una major difusió de la música de nova creació en tot el territori de la Comunitat la col·laboració amb els distints auditoris existents en el territori. Amb això hi haurà una major transversalitat en la difusió de la música de nova creació a nivell comarcal, de manera que l’apropament a la societat es produïsca d’una manera homogènia en tot el territori. Aquesta col·laboració tindria l’avantatge addicional de possibilitar un major acostament de tots els actors involucrats en la música de nova creació, fomentar la retroalimentació i compartir les possibles despeses de manera que s’obtinguen sinergies en la programació i difusió.

2.2. Incentius per la creació, programació i difusió de música de nova creació dels compositors valencians: amb la finalitat de recolzar aquesta iniciativa, seria de gran importància negociar amb les administracions públiques un programa d’incentius als auditoris i festivals pertanyents a la xarxa, buscant sempre una proporcionalitat entre el repertori històric i la nova creació en les programacions estables. Aquests incentius podrien tindre tres tipus de destinataris:

- dirigir-se directament als auditoris i festivals que programen música de nova creació de compositors valencians; - compositores als que s’encarreguen noves obres per a la seua estrena en els centres de la xarxa; - intèrprets que toquen obres de compositors valencians de música de nova creació (siguen estrenes o no);

3.- Potenciar la publicitat i difusió de les nostres creacions i maneres de fer música o de tractar el so per part de l’administració.

4.- Buscar i incentivar convenis per la participació d’entitats privades en les programacions.

5. Dur a terme un seguiment i avaluació de les propostes per tal de millorar-les i fer-les més efectives.

© Josep Lluís Galiana improvisador, saxofonista, compositor, escritor i editor